사하라 예술과 영화 속: 모래, 빛과 영원한 이야기

거대한 사막은 단순한 지리적 대상이 아니다. 그것은 화가, 감독, 사진 작가들이 수 세기 동안 잡으려고 시도한 영혼의 상태다. 사하라는 접근 불가능함, 무서운 아름다움 그리고 말로 전달할 수 없는 특별한 조용함으로 인해 매력적이다. 그러나 예술과 영화는 이를 전달하는 방법을 찾았다. 19세기의 그림에서부터 골든게이트의 대작까지, 사하라는 세계 문화에서 가장 표현력 있는 이미지 중 하나로 남아 있다. 왜 사막이 창조자들에게 이렇게 끌리는지, 그리고 그들이 무엇을 무한한 모래에 발견하는지?

사하라를 그린 시각 예술: 기존주의에서 형상주의로

19세기에 유럽 화가들이 북아프리카를 발견한 때, 사하라는 기존주의의 주요 주제 중 하나가 되었다. 프랑스, 영국, 독일의 화가들은 알제리와 마로코의 사막으로 떠나 자신들의 작품에 고대의 풍경, 카라반, nomads를 그리기 위해 갔다. 에жен 드拉克루아, 장-레옹 제롬, 구스타브 지욘 — 모두들이 사하라를 거의 인류학적 정확성으로 그렸지만 동시에 자신들의 작품에 로맨틱한 매력을 불렀다. 그들의 그림은 사하라의 이상화된 이미지다: 저녁 일몰, 양치기, 흰 옷, 빛나는 mirage.

하지만 20세기에 화가들이 사하라를 주제로 하지 않고 텍스트로 보았을 때 진정한 혁신이 일어났다. 사막은 형상주의자들에게 영감을 주는 원천이 되었다. 그들의 무한한 선, 빛의 변화, 인물 없음. 폴 클레이는 자신의 유명한 「사막」아크릴화를 그렸는데, 모래가 기하학적 리듬으로 변했다. 프랑스 화가 이브 클레인은 자신의 мо노크롬 블루 풀넌트를 만들어내며, 사하라의 하늘의 색이 그의 「블루」라며, 그가 전달하려고 시도한 무한함이라고 말했다. 이렇게 사하라는 단순한 장소가 아니라 색과 빛의 상태로 되어버렸다.

현대 사진에서 사막도 특별한 자리를 차지한다. 사진 작가들, 예를 들어 세바스티아노萨尔가도는 사하라를 인간과 자연이 영원한 대화를 나누는 드라마틱한 공간으로 촬영했다. 그의 흑백 사진에서 모래 높이는 인간의 몸과 비교되며, 사막을 살아있는 조직으로 보여준다. 게르하르트 리히터의 작품에서는 그는 사하라의 풍경을 흐릿하게 촬영하여, 사막을 시간과 기억에 대한冥상으로 변환시켰다.

사하라 영화 속: 무성 영화에서 대작까지

영화는 항상 사막을 사랑했다. 사하라는 규모가 큰 자연 촬영, 드라마틱한 풍경, 그리고 동시에 최소한의, 거의 철학적인 장면을 제공할 수 있는 기회를 주었다. 사막에 대한 첫 영화들은 무성 영화 시대에 나타났다. 예를 들어, 유명한 「셰이크」(1921)는 루돌프 발렌티노가 출연한 사랑 이야기이며, 사막은 그들의 열정의 배경이 되었지만 동시에 그들의 참여자로도 되었다.

사하라 영화의 진정한 성장은 1930년대와 1950년대에 도래했다. 그때는 골든게이트가 외국 연대를 포함한 모험 영화를 적극적으로 촬영했다. 「사하라 하늘 위」(1938), 「사하라」(1943)는 헴프리 보加트가 출연한 영화로, 사하라는 시험 장소로서의 이미지를 형성했으며, 그곳에서 사람은 더 나아지거나 죽는다. 그곳에서 사하라는 무서운 교사로서, 약점을 용납하지 않는다. 이러한 영화들은 대부분 사하라에서 촬영되지 않았지만, 캘리포니아 사막이나 애리조나에서 촬영되었지만, 만들어진 이미지는 그만큼 강력하여 관객들이 진정성을 의심하지 않았다.

1960년대에는 사막은 에피코 드라마의 장소로 사용되었다. «로렌스 아라비아스」(1962)는 다윗 린이 사하라를 자유와 단独行과, 인간 영혼을 위해 전쟁하는 공간으로 보여주었으며, 카메라는 사하라를 약간도 사랑하지 않았다. 카라반, mirage, 무한한 수평선의 장면들은 세계 영화의 금색 자산으로 남아 있다.

현대 영화는 사하라를 강력한 시각적과 감정적 도구로 계속 사용한다. 「영국인 환자」(1996)에서 사하라는 잃어버린 기억, 사랑, 죄책감의 메타포로 사용되었으며, 「최후의 인간」(2005)에서는 주인공이 모든 것을 잃는 장소로 사용되었다. 「평토의 통치자」(2018)는 관객을 사하라의 가장 깊은 곳으로 이끌어, 그곳에서 군인들이 잃어버린 금을 찾으려 했지만, 대신 고대의 유적과 자신의 이야기를 발견하게 만든다.

코미디와 모험 장르의 사하라

하지만 사하라는 드라마만이 아니다. 그것은 코미디도 좋은 무대다. 클래식 영화 「스톤」(1951)은 보브 훅이 출연한 영화로, 주인공들이 비행기 사고로 사막에 간 후, 사막은 가극과 약소한 상황의 원천으로 사용되었다. 현대 코미디, 예를 들어 「사하라의 여왕」(2005)이나 「아프리카의 세 명의傻瓜」(2010)은 종종 사막의 클리셰를 패러디화하여, 그곳을 의리없는 모험의 장소로 보여준다.

모험 장르도 사하라를 적극적으로 사용한다. 「인디아나 존스와 최후의 성」(1984), 「 mumia」(1999), 「국가의 보물」(2004)은 모두 사하라에서 일부나 전체적으로 발생하는 것이며, 그곳은 항상 미스터리와 위험의 요소를 추가한다. 심지어 「스타워즈」에서도 사막계 투아틴은 사하라의 영화적 사하라로, 먼 거성으로 옮겨졌다.

사하라를 다룘은 다큐멘터리: 허구 없는 사막

사하라를 다룘은 다큐멘터리도 별도의 페이지다. 이곳에서는 자연 학자, 여행가, 인류학자들이 일한다. 다큐멘터리 「사하라: 잊혀진 제국」(2012)은 우리가 거의 모를 고대 문명에 대해 이야기한다. 「투아레그: 모래의 사람들」(2016)은 nomads의 생활, 전통, 생존을 위한 전쟁을 보여준다. 다큐멘터리는 종종 예술 영화보다 더 진실된 사하라의 이미지를 제공하지만, 그것도-poeticization을 피할 수 없다: 카메라는 이러한 빛과 형태에 대한 무관심할 수 없다.

사하라는 현대 문화 속 시각 코드

오늘날 사하라는 정확한 재현이 필요하지 않다. 그 이미지는 코드로 작동한다: 무한한 노란-오렌지 평원과 혼자 여행하는 사람 — 이는 항상 혼자됨, 자유, 시험을 의미한다. 우리가 광고에서 사하라를 보면, 이 의미를 인식할 수 있다. 사하라는 우리의 시각적 언어의 일부가 되었으며, 예술은 새로운 형식에서 그를 재해석하고 계속한다 — 설치와 비디오 아트로.

결론

예술과 영화 속 사하라는 단순한 풍경이 아니다. 그것은 시간, 죽음, 의미를 찾는 것, 아름다움과 혼자됨에 대해 이야기할 수 있는 대칭적인 메타포다. 화가와 감독은 그곳에서 무한한 영감을 찾으며, 그것은 여전히 미해결되지 않았기 때문에 그곳을 찍는다. 그리고, 사람들이 모래를 보고 그 속에서 빛을 찾고 다른 사람들에게 이야기할 줄 아는 한, 사하라는 영원한 주제로 남아 있다.

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