화려한 예술에서 장미는 단순한 화병에 있는 꽃이 아니다. 이는 코드, 암호, 메시지입니다. 중세 시대의 화가들은 장미의 꽃잎에 종교적인 의미를 투입했고, 이mpрессionists는 그들에게 빛의 게임을 찾았고, сю르레리얼리스트들은潜意识의 어두운면을 찾았습니다. 이 기사에서 우리는 이름을 지정하지 않은 박물관을 거쳐 장미의 이미지가 패인터부터 설치 작품까지 어떻게 변했는지 살펴보겠습니다.

중세와 이른 르네상스: 성모 마리아의 상징

고트식 대성당에서 장미는 종종 유리창에 "신비로운 장미"로 등장하여 보고드리는 상징입니다. 꽃잎은 마리아의 다섯 가지 기쁨과 관련이 있으며, 가시는 그녀의 고난과 관련이 있습니다. 쿠아트로 청о(프라 안젤리코, 보티첸elli)의 그림에서는 몰락이 자주 розовым 정원이나 장미를 들고 그려져 있습니다. 이는 단순한 장식이 아니라 신학적 상징입니다. 보티첸elli의 "베네레이션의 탄생"에서 장미는 하늘에서 떨어지며 사랑이 바다의 거품에서 태어났음을 상징합니다 — 이곳에서 고대와 기독교의 상징주의가 엉켜 있습니다.

바로크와 로코코: 감각적이고 풍요로움

17세기와 18세기에 장미는 세속적인 즐거움의 상징이 되었습니다. 루벤스와 바토의 그림에서 장미는 나이프와 에로스를 쏟아냅니다. 그들은 풍부하며, 밝고 거의 만질 수 있을 것처럼 보입니다. 로코코 시대의 화가(프라고나르, 부시)는 종종 장미를 러브 스토리에 넣었습니다: 훈련사는 여자에게 장미를 주며 감정에 대한 암시를 의미합니다. 자연 사진에서 장미는 복실이나 포도와 함께 나타나며 삶의 짧음을 상징합니다(반짝임). 흥미롭게도 동시에 건축에서 "로제트"가 등장합니다 — 장미 모양의 장식 장식.

일본과 중국의 그림에서 장미

동양 예술에서 장미(특히 장미와 혼동되는 피온)는 부채와 영웅을 상징합니다. 하지만 진정한 장미도 에도 시대의 책자와 장식에 나타납니다. 그곳에서 장미는 더욱 조용하고 극적인입니다. 종종 단 한 꽃이 빈 배경에 그려져 중요한 대상으로 나타납니다. 일본 화가들은 줄, 꽃잎의 구부림, 가시의 표면을 강조했습니다. 장미는 욕망의 상징이 아니라 빠른 시간과 순간의 아름다움의 상징입니다(모노노아와레).

이mpressionism과 후이mpressionism: 빛과 색

이mpressionists(모네, 렌у아르)는 장미를 플레너에 가져왔습니다. 그들은 태양의 빛이 розовый 톤을 어떻게 변환하는지 관심을 가졌습니다. 모네는 자신의 지베르니 정원에서 장미를 그린 전체 시리즈를 그렸습니다. 여기서 장미는 대상이 아니라 빛 공기의 환경의 일부입니다. 반 골빈은 "장미"에서(1890) 녹색 배경에 장미를 그려서 꽃들이 에너지로 뛰어오릅니다. 마티스는 자신의 "적색 방"에서 장미를 장식적인 모양으로 사용하여 거의 추상적인 것처럼 사용했습니다. 후이mpressionists도 상징주의에 접근했습니다: 오디론 레드론의 장미는 신비로운 것이며, 우주 공간에서 비행하며 눈이나 없습니다.

수urrealism과 20세기: 장미는 상처

사울 바스켓은 장미가 사막 위에 비는 장미를 그렸습니다("미디에이티브 장미", 1958). 이는 꿈의 꽃, 기억의 꽃입니다. 수urrealists의 장미는 종종 현실에 저항합니다 — 그것은 플라스틱이거나 상처를 입은 것이며, 벽돌 틈에서 자라는 것입니다. 프리다 칸도 자신의 자서전에서 장미를 머리에 엮어서, 그녀의 목에 찔리는 날카로운 가시와 함께 나타냅니다. 여기서 장미는 사랑과 아픔, 욕망과 고통의 상징입니다. 팝 아트(워홀)에서 장미는 프린트로 반복되어 개성을 잃고, 대량으로 제작된 아름다움의 상징이 됩니다.

조각과 설치 작품에서 장미

장미는 마armor에서 잘려져 out(안토니오 캐나와의 "아모르와 심체아", 심체아의 손에 장미가 있습니다), bronze로 casting되거나 유리로 만들어져 out(달의 치후리). 현대 예술에서 거대한 장미가 paper-mache와 플라스틱으로 만들어져 전시실을 가득 채우고, 관객을 미술의 인공적 아름다움에 대해 생각하게 합니다. 실제 장미로 만들어진 설치 작품(일리야 카바콥의 "레드 트레인)"은 향긋지만 빠르게 꽃 피는 세상을 만듭니다. 장미는 그림에서 공간으로 이동하지만 그 매력을 잃지 않습니다.

상징학과 상징에서 장미

기념비적 장미는 언급할 수 없습니다. 흰색과 적은 장미는 영국에서 상반된 부족의 상징입니다(빨간 장미와 흰 장미 전쟁). 장미는 많은 도시의 휘장에 장식됩니다(리투아니아, 피렌체). 마스론에서 장미는 십자가와 함께 결합됩니다(로제와 십자가). 소비에트 예술에서 장미는 거의 사라졌습니다(bourgeois 상징), 그러나 여자에게서 "알바ム 카드"로 꽃피었습니다 — kitsch, 그러나도 예술.

장미를 그리는 기술: 패인터에서 пик셀까지

화가들은 장미의 꽃잎의 표면을 전달하는 방법을 수 세기 동안 찾아왔습니다. 오일은 부드러운 전환을 만들어내며, 아크릴은 공기성을 만들어냅니다. 네덜란드의 자연 사진 작가들은 장미를 그리면서 물방울을 씻고 싶은 것처럼 그렸습니다. 이mpressionists는 분리된 마스크를 사용하여 진동을 만들어냈습니다. 오늘날 디지털 화가들은 태블릿에서 장미를 그리지만, 문제는 여전히 남아 있습니다: 부드러움을 어떻게 전달할까요? 가능성은 이렇습니다: 장미의 비밀은 완전히 복사할 수 없지만, 느낄 수 있다는 것입니다.

예술에서 장미의 이미지는 죽지 않습니다. 그것은 변화하며 재생됩니다. 그러나 그것은 인지될 수 있습니다. 화가들이 아름다움에 대한 질문에 답하려고 할 때, 그들은 장미를 그리게 됩니다. 왜냐하면 장미는 예술이며: 아름다운, 가시가 많고, 빠르게 지나가고, 영원한 것입니다.

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